News ed eventi alla Galleria Nazionale
Presentazione del Catalogo della mostra
Il Tempo del Futurismo
Mercoledì 9 aprile 2025, ore 17.00
Veranda Parolibera
Intervengono:
Renata Cristina Mazzantini, Direttrice Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea
Massimo Bray, Direttore Generale dell'Istituto della Enciclopedia Italiana
Alessandro Campi, Editorialista, membro del Consiglio Scientifico e del Comitato esecutivo dell’Istituto della Enciclopedia italiana
Massimo Osanna, Direttore Generale Musei, MiC
Gabriele Simongini, Curatore della mostra
Modera:
Cesare Biasini Selvaggi, Curatore d’arte e saggista
Mercoledì 9 aprile 2025 alle ore 17:00 presso la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea sarà presentato il catalogo della mostra Il Tempo del Futurismo. Il volume, edito da Treccani, raccoglie contributi autorevoli di studiosi ed esperti sul tema e offre un’analisi approfondita del rivoluzionario movimento d’avanguardia fondato da Filippo Tommaso Marinetti nel 1909.
Curata da Gabriele Simongini e promossa dal Ministero della Cultura, la mostra e il catalogo consentono di esplorare il legame tra arte, scienza e tecnologia, ponendo al centro il concetto di “rinnovamento della sensibilità umana" innescato dalle scoperte scientifiche del tempo.
Attraverso saggi critici, il catalogo indaga il ruolo centrale del Futurismo nel ridefinire i concetti di velocità, spazio, distanza e percezione, contestualizzandoli nell’epoca delle grandi innovazioni tecnologiche. Oltre ai testi, il volume presenta un ricco apparato iconografico con le immagini delle opere esposte, tra dipinti, sculture, disegni, film, oggetti d’arredo e strumenti scientifici d’epoca.
Passi nel Futuro
Percorso danzato interattvio a cura degli allievi della Scuola di Danza del Teatro dell’Opera di Roma, all’interno delle sale della mostra “Il Tempo del Futurismo”
Sabato 12 aprile
Ore 12.00 | 14.00 | 15.30
La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, diretta da Renata Cristina Mazzantini, ospita sabato 12 aprile uno spettacolo di danza all’interno delle sale del museo. A esibirsi in tre performances alle ore 12.00, 14.00 e 15.30, i giovani allievi della Scuola di Danza del Teatro dell’Opera di Roma, diretti da Eleonora Abbagnato.
I ragazzi e le ragazze, di età compresa tra i 10 e i 12 anni, danzeranno davanti a una selezione di opere all’interno della mostra “Il Tempo del Futurismo”, tra cui la Caduta degli Angeli di Gaetano Previati, Bambina che corre sul balcone di Giacomo Balla, Danseuse (ballerina in blue) di Gino Severini, di recente entrata a far parte della mostra e proveniente da collezione privata.
Il progetto, dedicato in particolare alle famiglie e ai bambini, valorizza il movimento e il linguaggio della danza per interpretare dal vivo il dinamismo che caratterizza il Futurismo e per descrivere e raccontare anche ai più piccoli alcuni dei capolavori esposti in mostra.
I giovani allievi del Teatro dell’Opera, interpreteranno le opere danzando una coreografia di Giovanni Castelli e, nell’ottica della massima inclusione, inviteranno i visitatori a riprodurre azioni e movimenti attraverso la forza del gesto e dell’osservazione partecipata.
Le performance, della durata di 45 minuti ciascuna, sono incluse nel biglietto di ingresso al museo. La partecipazione del pubblico sarà soggetta alla capienza dei posti disponibili nelle sale.
La mostra “Il Tempo del Futurismo”, presentata alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, è promossa e sostenuta dal Ministero della Cultura e curata da Gabriele Simongini. La mostra celebra l’ottantesimo anniversario dalla scomparsa del fondatore del Futurismo, Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944, esponendo circa 350 opere d’arte oltre a centocinquanta oggetti, tra cui arredi, film, libri e manifesti, insieme con un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca, con un’attenzione particolare alla matrice letteraria del movimento marinettiano. Per far immergere il visitatore nell’atmosfera futurista, l’esposizione è arricchita da due installazioni site specific di Magister Art e di Lorenzo Marini ed è vivacizzata da eventi di approfondimento.
Prenotazione: gan-amc.prenotazioni@cultura.gov.it
Performance inclusa nel prezzo del biglietto di ingresso, escluse le gratuità previste per legge, fino a esaurimento posti.
Per acquistare i biglietti visitare il seguente link: bit.ly/LAGNtickets
Premiati a Londra GNAMC e Lorenzo Marini per il nuovo Logo.
Thenetworkone ha annunciato e celebrato i migliori progetti di comunicazione del 2024, con il Global INDIE AWARDS, l’unico premio internazionale creato esclusivamente per agenzie indipendenti di tutto il mondo e per tutte le discipline di comunicazione.
Gli oltre 300 lavori iscritti, provenienti da 80 paesi e dalle 1600 agenzie di comunicazione appartenenti al network, sono stati proiettati a The Hickman Building London. Nelle diverse categorie che comprendono oltre al classico Adv anche Public Relation, Media, Effectiveness, Innovation, Corporate, Out of Home, Print e Design, l’Italia si è distinta per il lavoro di Branding realizzato dalla agenzia Lorenzo Marini Group per la Galleria Nazionale Arte Moderna e Contemporanea di Roma, portando a casa addirittura il President’s Award. La motivazione è stata: “Per aver creato un linguaggio proprietario capace di esprimere i valori cardine del Brand, in termini di autorevolezza e modernità. Per aver creato inoltre un marchio capace di mutare costantemente ed esprimere così lo stile multiforme dell’arte contemporanea partendo dalle opere iconiche presenti nella Galleria”.
Il founder di Thenetworkone Julian Boulding ha consegnato il prestigioso riconoscimento aggiungendo che per ogni straniero in visita all’Italia, il semplice acronimo di “GNAMC” è molto più facile da pronunciare e ricordare che la dicitura della Galleria per esteso.
“La stile che l’arte italiana gode nel mondo è altissima” commenta Lorenzo Marini “e deve farci riflette sull’orgoglio di avere un patrimonio culturale così elevato. Creare un marchio multiforme in eterno movimento apre un linguaggio sempre più digitale e fluido.”
Renata Cristina Mazzantini, Direttrice della GNAM, che ha selezionato questo progetto tra tante proposte, afferma: “Questo riconoscimento interazionale premia una visione coraggiosa, che spinge anche le istituzioni culturali, spesso più conservative, ad adottare un logo dinamico, pensato per adattarsi all'evoluzione continua del contemporaneo - aggiungendo una C pittorica, versatile e inclusiva - e allo stesso tempo per valorizzare il mito di una grande tradizione - restando fedele all'acronimo GNAM riconoscibile e immutabile. Ben venga l'innovazione, l’arte vive di questo”
Vita Futurista
Un viaggio multidisciplinare tra storia, politica, arte, cultura e innovazione, per riscoprire il movimento che ha rivoluzionato il Novecento in occasione della mostra “Il Tempo del Futurismo”
Più di una corrente artistica, il Futurismo ha rappresentato una forza trasversale in grado di influenzare ambiti diversi – dall’arte alla politica, dall’ideologia alla cultura – assumendo un respiro internazionale. La rassegna Vita Futurista, organizzata dalla Fondazione Magna Carta e curata da Federico Palmaroli, intende evidenziare la trasversalità del Futurismo, attraverso eventi e talk multidisciplinari, esplorando ambiti che spaziano dalle arti visive alla musica, dalla letteratura al teatro, alla moda, la gastronomia e l’architettura, fino alla sfera politica e ideologica. Il programma culminerà nel convegno La Grande Guerra della Cultura, che approfondirà l’impatto della Prima Guerra Mondiale sulla cultura novecentesca.
Programma degli eventi:
La “Grande Guerra” della Cultura
22 febbraio 2025
ore 10.00 - 19.00, Veranda Parolibera
Contaminazioni, trasversalismi, ricomposizioni.
Il convegno analizza la frattura culturale causata dalla Prima Guerra Mondiale e come il conflitto abbia trasformato le culture politiche.
Con:
10.00 – 13.00
Giovanni Orsina (Università LUISS Guido Carli)
I riflessi culturali della “rottura” interventista
Lorenzo Benadusi (Università Roma III)
La cultura delle trincee, la cultura nelle trincee
Gaetano Quagliariello (Università LUISS Guido Carli)
Antigiolittismo di prima e seconda generazione
Domenico Bruni (Università di Siena)
Tentativi di rinnovamento culturale in ambito liberale
Introduce e coordina
Maurizio Caprara (Editorialista Corriere della Sera)
15.30 - 19.00
Eugenio Capozzi (Università suor Orsola Benincasa)
I cattolici tra opposizione alla guerra e integrazione
Simona Colarizi (Università La Sapienza)
“Fare come in Russia”: la cultura socialista dopo il ’17
Marco Gervasoni (Università del Molise)
Le nuove destre
Monica Cioli (Università di Trento)
Il portato politico del futurismo e delle altre avanguardie
Alessandra Tarquini (Università La Sapienza)
I due manifesti: quale ricomposizione?
Introduce e coordina
Francesco Giorgino (Direttore Ufficio Studi Rai)
La partecipazione agli eventi è compresa nel costo del biglietto di ingresso.
Puoi acquistare il tuo biglietto qui
Eventi passati
L’arte in tavola – Talk sulla cucina futurista
11 gennaio 2025
La rivoluzione culinaria futurista tra paradossi gastronomici e sperimentazione non convenzionale.
Con:
Guido Andrea Pautasso - Storico e critico delle avanguardie artistiche del Novecento
Fulvio Piccinino - Bartender ed esperto di miscelazione
Preparazione di vivande futuriste a cura di Chef Alessandro Circiello
Modera: Roberto Inciocchi – Giornalista e conduttore Rai
Letture tratte dai Manifesti futuristi a cura di Luca Violini – Attore e doppiatore
Per l'occasione, il Caffè delle Arti rimarrà aperto fino alle ore 21.00, con possibilità di degustare le polibibite futuriste al termine della conferenza.
Il futurismo è di moda – Talk sulla moda futurista
18 gennaio 2025
La sfida futurista agli schemi tradizionali e la sua influenza sulla creatività degli stilisti contemporanei.
Con:
Guido Andrea Pautasso - Storico e critico delle avanguardie artistiche del Novecento
Antonella Basilico - Già docente di Storia dell’Arte Contemporanea presso Università degli Studi di Napoli “Federico II”
Stefania Ricci - Direttrice del Museo Ferragamo e Fondazione Ferragamo
Antonio Fiore Ufagrà - Pittore post-futurista
Esposizione di riproduzioni di abiti futuristi a cura dell’Accademia Koefia
Modera: Simona Branchetti - Giornalista e conduttrice TG5
Letture tratte dai Manifesti futuristi a cura di Luca Violini – Attore e doppiatore
Tutta un’altra musica – Talk sulla musica futurista
1 febbraio 2025
L’intonarumori e la ribellione sonora del futurismo.
Con:
Beatrice Venezi - Direttore d’orchestra e pianista
Lucia Ianniello - Musicista e giornalista
Giulia Mazzoni - Compositrice e pianista
Ensemble di percussioni Aura con legni, metalli, pelli, mani, piedi, Bach e tutto ciò che fa rumore. A cura del Conservatorio di musica O. Respighi di Latina.
Modera: Federica Gentile - Conduttrice e autrice radiofonica della Rai
Letture tratte dai Manifesti futuristi a cura di Luca Violini – Attore e doppiatore
Un’idea che lascia il segno – Talk sull’architettura futurista
8 febbraio 2025
Dall’utopia futurista di Antonio Sant’Elia al futuro possibile nell'architettura contemporanea.
Con:
Livio Sacchi - Professore ordinario Università degli Studi "G. d’Annunzio” di Chieti-Pescara
Anna e Gianfranca Sant’Elia - Eredi Antonio Sant’Elia
Umberto Vattani - Presidente della Venice International University
Modera: Alessia Bennani – Architetto
Letture tratte dai Manifesti futuristi a cura di Luca Violini – Attore e doppiatore
Va in scena la sorpresa – Talk sul teatro futurista
15 febbraio 2025
Immaginazione senza fili e parole in libertà.
“Gran serata futurista” di Massimiliano Finazzer Flory - Attore, regista teatrale e cinematografico
con le coreografie di Michela Lucenti interpretate da una danzatrice del Balletto Civile
Nuovo logo GNAM
La Galleria Nazionale d’Arte Moderna Contemporanea ha scelto una nuova identità visiva, per rilanciare la propria immagine. Lo ha fatto attraverso la valutazione dei progetti di otto noti studi di architettura, grafica e design, che ringrazia per l’impegno profuso e le proposte presentate.
La strategia, come dichiara la direttrice Cristina Mazzantini “intende far evolvere il posizionamento storico del museo, percepito e consolidato come GNAM, verso un’immagine più giovane, dinamica e aperta alla comunità artistica internazionale”.
La necessità di affrontare un progetto di rebranding e di renaming deriva dalla constatazione che il nome attuale “La Galleria Nazionale”, con il relativo logo, dopo otto anni non sembra radicato nell’immaginario collettivo: la stampa, gli studiosi e i cittadini continuano a chiamare il museo GNAM, memori della sua illustre tradizione. Lo confermano le numerose citazioni televisive e giornalistiche delle ultime settimane.
Il nome “La Galleria Nazionale”, inoltre, confonde la GNAM con le altre gallerie nazionali che brillano nella costellazione MIC.
Occorreva dunque ridisegnare l’identità visiva del museo per raggiungere un maggiore numero di comunità, da quella artistica a quelle del design e dell’architettura, per recuperare la memoria del passato e intessere un dialogo con le nuove generazioni.
Esaminate le tante proposte pervenute, la scelta del gruppo di lavoro nominato a supporto della Direzione si è orientata verso il ritorno all’acronimo GNAM, come segno identificativo del museo e della sua collezione.
Scegliendo il progetto creativo di Lorenzo Marini, che ha aggiunto a GNAM la lettera C di contemporaneo, la Galleria ha voluto affermare una nuova dimensione, capace di sostenere tutti i suoi valori in una comunicazione integrata.
Occorre ricordare, infatti, che la Galleria Nazionale d’Arte Moderna è stata istituita nel 1883 per essere un museo del presente e che – fedele a questo assunto - nel 1939 ha modificato la propria denominazione in Galleria Nazionale d’Arte Moderna - Arte Contemporanea.
In questa prospettiva, Lorenzo Marini ha creato il logotipo con un carattere tipografico che esprime i due valori portanti della GNAM: l’autorevolezza e la contemporaneità.
Va rilevato che la lettera “C”, diversamente dalle altre, è realizzata pittoricamente. Il nuovo naming G/N/A/M/C è rappresentato dal brand storico GNAM, che testimonia la tradizione, realizzato con un carattere tipografico basico, a cui si aggiunge una C rossa, artistica, diversa, che permette al nuovo logotipo di attualizzare con originalità l’identità del museo.
La “C” rende di per sé il logo dinamico, flessibile e inclusivo
Immagine del Nuovo Logo della GNAM
Commenta Lorenzo Marini: “Un logotipo contemporaneo oggi non può vivere solamente in una dimensione statica, cartacea e bidimensionale. Secondo le nuove evoluzioni della comunicazione digitale internazionale, si deve animare, modificare in base alle necessità e diventare un elemento variabile nella cornice istituzionale della GNAM”.
Ecco dunque il punto di arrivo: “il logo camaleontico” in cui la “C” artistica può cambiare continuamente la propria immagine, diventando uno strumento tattico da declinare con un segno grafico specifico in ogni occasione. Immaginiamo la “C” dipinta da Van Gogh o da de Chirico, da Boccioni o da Warhol, per valorizzare i tanti capolavori della collezione del museo. Conclude la direttrice Cristina Mazzantini: “Il dinamismo diventa la dimensione espressiva che identifica la nuova GNAM, che punta a stringere una relazione creativa personalizzata con visitatori”.
Video del Nuovo Logo della GNAM
Accordo con Brera per Ceroli
Siglata una partnership tra le due istituzioni per la valorizzazione reciproca dei propri patrimoni artistici, realizzata grazie alla collaborazione di Banca Ifis, che vedrà come prima iniziativa una mostra dedicata a Mario Ceroli, a dicembre 2024 a Palazzo Citterio a Milano e dalla primavera 2025 alla Gnam di Roma
La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma e la Pinacoteca di Brera di Milano hanno siglato un accordo per la valorizzazione reciproca dei propri patrimoni storico-artistici. Le due istituzioni potranno collaborare allo sviluppo di progetti di studio, di promozione, di ricerca scientifica e di produzione di eventi espositivi condivisi. Le presenti finalità e motivazioni di interesse pubblico emergono con maggior forza anche in considerazione della prossima apertura di Palazzo Citterio a Milano dove sarà fruibile la collezione di arte moderna e contemporanea appartenente alle collezioni di Brera. L’accordo è stato reso possibile anche grazie alla collaborazione di Banca Ifis, che si impegna nel sostenere una partnership di lunga durata tra le due istituzioni, al fine di valorizzare reciprocamente i rispettivi patrimoni artistici e condividere progetti espositivi. L’impegno della Banca si concretizza già nel primo passo della collaborazione, tra la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma e la Pinacoteca di Brera di Milano: la mostra dedicata a Mario Ceroli, a Milano con una sua installazione site-specific nella sala Stirling di Palazzo Citterio che sarà allestita il prossimo dicembre. Seguirà la tappa romana, nella primavera 2025, con un ampliamento delle opere in mostra attraverso una selezione antologica, allestita in alcune sale della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea.
Cristina Mazzantini, direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, spiega la natura dell’accordo: “L’accordo con la Pinacoteca di Brera, come quelli già stretti con i Musei Reali di Torino e le Gallerie dell’Umbria, è importante, soprattutto in un panorama culturale globale che vede crescere i musei internazionali, che diventano ogni giorno più grandi, aumentano le proprie collezioni e le espongono in più sedi. Questo accordo, permetterà alla Gnam e a Brera di unire forze e risorse per articolare un interessante programma di mostre, a partire da quella su Mario Ceroli, creando un ponte culturale ideale tra Roma e Milano. Ceroli è uno dei “nuovi maestri” dell’arte italiana: un artista unico, se pur già esponente di spicco dell’arte Povera e della stagione Pop. Questa mostra celebra la sua straordinaria carriera, pervasa da una costante ricerca della meraviglia. Ringrazio Ernesto Fürstenberg Fassio per la grande sensibilità con cui ha sostenuto uno dei massimi protagonisti dell’arte contemporanea italiana e Banca Ifis per aver reso possibile la sua mostra”.
“Credo sia doveroso che i musei autonomi di Stato collaborino, sovraintesi dal nuovo dipartimento valorizzazione, avendo come obiettivo la creazione di un sistema forte di relazioni e di progettazione comune. In ragione della imminente apertura di Palazzo Citterio, la collaborazione con la Galleria Nazionale è imprescindibile e per noi un punto di orgoglio. E la mostra dedicata a Mario Ceroli un primo banco di prova per il quale dobbiamo ringraziare il sostegno di Banca Ifis” ha commentato Angelo Crespi Direttore Generale, Pinacoteca di Brera e Biblioteca Nazionale Braidense.
“Abbiamo voluto sostenere questo progetto che unisce Roma e Milano per testimoniare la nostra vicinanza al mondo dell’arte e della cultura. In questo modo, affianchiamo due tra le più prestigiose istituzioni italiane nel segno della collaborazione pubblico-privato che contraddistingue l’intervento di Banca Ifis nell’arte e in tutti gli altri settori in cui opera, dall’economia al sociale. Questo intervento avviene attraverso “Ifis art”, il brand che ho ideato in prima persona per promuovere la valorizzazione del patrimonio artistico e culturale italiano. Si tratta di un contenitore che si arricchisce continuamente di nuovi progetti come quello che presentiamo in questa occasione: l’esposizione di una mostra dedicata a Mario Ceroli, prima a Milano presso Palazzo Citterio e poi a Roma presso la Gnam. Un’opportunità unica nel suo genere che per la seconda tappa di questo percorso itinerante vedrà aumentare il numero delle opere scelte dalla collezione di Mario nel solco di un dialogo aperto con la nostra Banca che avrà l’obiettivo di far vivere il suo racconto dell’arte nei più prestigiosi contesti nazionali e internazionali”, ha dichiarato Ernesto Fürstenberg Fassio, Presidente di Banca Ifis.
La mostra dedicata a Mario Ceroli a Milano (dicembre 2024) e Roma (primavera 2025) si presenta come un’originale occasione di riflessione sull’intero percorso di ricerca dell’artista: un nuovo capitolo della sua vicenda creativa avviata, con una forte identità, a partire dalla seconda metà degli anni Cinquanta, mantenendo una costante attenzione sia sulle forme che sui processi.
A cura di Cesare Biasini Selvaggi, l’esposizione, raccoglierà a Palazzo Citterio circa cinque opere/installazioni, tra le quali quella che dà il titolo all’intero progetto: Venezia. Si tratta di un’installazione monumentale di alcune decine di elementi, tronchi di alberi di pino provenienti dal giardino dell’abitazione romana dell’artista, tagliati a seguito della loro morte prematura causata dall’attacco della cocciniglia tartaruga. Se l’esposizione, da un lato, è concepita come omaggio autobiografico alla città che ha accolto lo scultore nel 1966, in occasione della Biennale Arte, determinandone la precoce affermazione sulla scena internazionale, all’altro, è una meditazione sulla bellezza, sull’unicità della Serenissima e, soprattutto, sull’ingegno umano, sulla straordinaria pratica artigiana alla base della costruzione e della longevità di una città sull’acqua, dall’incredibile ingegneria di pali di legno infissi nel sedimento della laguna. Nella Sala Stirling con l’imponenza e la soggezione che emana seguendo l’iconografia di una “Stonehenge lignea”, si celebrerà quindi un’eco-mitologia immersiva di quella straordinaria attenzione rivolta alla natura, alla sua complessità, dalle diverse tradizioni del mondo nel corso della storia, fino alla rivoluzione industriale.
Ceroli, che ha lavorato con i più vari materiali dal marmo al ghiaccio oltre che acqua, vetro, sabbia, terre colorate, stoffa, cenere, in quasi settant’anni di ricerca ininterrotta, conferma il legno come suo complice d’elezione, lo stesso con cui ha cominciato l’itinerario nella scultura, vincendo già nel 1957 con un pezzo costituito da tronchi e chiodi il premio della Galleria Nazionale d’Arte Moderna.
“L’installazione Venezia è un ulteriore attestato di fiducia dell’artista nell’uomo, nella natura e nella forza rigenerativa dell’alleanza artificio-ecosistema globale, è un suo monumento a quella inedita visione di società solidale e sostenibile che si può definire “nuovo umanesimo planetario”, nell’accezione proposta nel 2005 dallo scrittore e intellettuale Ernesto Balducci», dichiara Cesare Biasini Selvaggi, curatore della mostra.
Il lavoro di Mario Ceroli è, pertanto, ancora una volta “vitale” perché di nuovo egli ridisegna la vita. D’altronde, «Gli alberi sono la vita, e assomigliano molto all’uomo, alla sua struttura fisica», ricorda spesso l’artista. La sua è sempre un’opera per la comunità, utile, è l’intervento dell’arte e della cultura che deve entrare nelle strade, nelle comunità, «perché – sottolinea sempre Mario Ceroli - nelle case non serve».
Dopo la tappa milanese presso Palazzo Citterio, la mostra di Mario Ceroli si sposterà alla Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma dove sarà arricchita da altre opere.
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PAC - Piano per l'Arte Contemporanea 2024
Untitled è la prima opera di Stingel che entra a far parte del patrimonio museale, un dipinto argenteo che si configura sulla tela come una traccia fotografica raffigurante il motivo di un tappeto, elemento centrale della poetica dell’artista che richiama simbolicamente il fluire del tempo attraverso il costante passaggio delle persone.
“Dal suo esordio negli anni Ottanta, Rudolf Stingel è sempre stato interessato alle questioni fondamentali sui termini materiali della pittura e dello spazio. La mano di Stingel rovescia le proprietà tradizionali della pittura — piattezza, verticalità, autonomia —, ricalibrando il rapporto tra spazio pittorico e superficie materica. Il suo approccio alla superficie ha sempre un che di paradossale. Per quanto affermi la materialità impassibile del dipinto, l’artista è anche profondamente interessato alle sue qualità tattili e seducenti. In Untitled, Stingel non cessa di mettere in discussione la logica dei piani orizzontali e verticali, dipingendo l’immagine fotografica di un tappeto turco Sivas su una tela il cui orientamento è indiscutibilmente verticale. Il tappeto appare come una traccia fotografica spettrale; la sua materialità originaria trova nuova conferma come presenza pittorica ornamentale per via della superficie ricca e delicatamente stratificata. Come il linguaggio decorativo del rococò bavarese che ha caratterizzato gli anni formativi di Stingel in Sudtirolo, il motivo del tappeto si afferma come soggetto pittorico, infondendo le tracce dell’impronta fotografica con un senso palpabile della sua precedente presenza materiale e il suo significato.”
(Estratto da un testo di Dr. Chrissie Iles, Anne and Joel Ehrenkranz Curator, Whitney Museum of American Art, New York)
Rudolf Stingel (Merano 1956)
Ha frequentato la scuola d’arte in Val Gardena e, dopo brevi soggiorni a Vienna e a Milano, nel 1987 ha deciso di stabilirsi negli Stati Uniti, mantenendo sempre vivi i legami con le sue origini e dividendosi tra lo studio di Merano e quello di New York. Nel 1989 ha pubblicato Instructions, un manuale di istruzioni in sei lingue per creare con precisione le sue opere astratte. La sua ricerca si concentra sulle relazioni tra astrazione e figurazione, affrontando profonde tematiche esistenziali, la memoria, il tempo, la vanitas. Nel 1991 ha cominciato a realizzare la serie di “moquette”, installazioni pittoriche che rivestono anche completamente gli ambienti, offrendo allo spettatore un’esperienza immersiva e invitandolo a una relazione visiva e tattile con l’opera d’arte. La sua produzione è prolifica e diversificata, come dimostrano alcuni ritratti o autoritratti, di piccolissime o grandi dimensioni, realizzati con la tecnica del fotorealismo. Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 1993 e nel 2003 e a importanti mostre collettive, tra cui quelle al Museum of Contemporary Art di Chicago nel 1999, al Guggenheim Museum di New York nel 2004, al Museum of Contemporary Art di Los Angeles e al Walker Art Center di Minneapolis nel 2012. Tra le mostre personali, si ricordano quelle al MART nel 2001, al Museum für Moderne Kunst di Francoforte nel 2004, al Museum of Contemporary Art di Chicago e al Whitney Museum di New York nel 2007, alla Neue Nationalgalerie di Berlino nel 2010, alla Wiener Secession di Vienna nel 2012, a Palazzo Grassi di Venezia nel 2013 e alla Fondazione Beyeler a Riehen nel 2019. Le sue opere sono conservate in prestigiose istituzioni, tra cui il MAXXI di Roma, il Museion di Bolzano, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, il Whitney Museum di New York, il Museum of Contemporary Art di Chicago, il Centre Pompidou e la collezione François Pinault di Parigi, la Tate Modern di Londra, la Fondazione Beyeler di Riehen, il Moderna Museet di Stoccolma. Ha ricevuto il premio Presidente della Repubblica per la pittura nel 2018.
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